Miguel Ángel Cardenal

«Soy defensor de lo que se realiza a mano, del error y la plasticidad que existe en ello, de recuperar la relación entre la persona y el objeto»

Miguel Ángel Cardenal (Badajoz, 1989), se formó en Bellas Artes en Sevilla donde ha desarrollado la mayor parte de su trabajo, que oscila entre la pintura y la instalación. Los elementos geométricos y la abstracción toman el papel principal, jugando con el color, las repeticiones y los volúmenes. Además, Miguel Ángel ha participado en multitud de exposiciones colectivas en Sevilla, Córdoba o Zaragoza, así como exposiciones individuales en Sevilla y Badajoz. También ha sido seleccionado en diferentes proyectos y su trabajo puede verse en ferias de arte nacionales e internacionales, como Hybrid (Madrid) o Volta Basel (Suiza). Su trabajo está representado por la galería sevillana Di Gallery y, recientemente, ha comenzado a trabajar con la galería RoFa Projects en Maryland, EE.UU.

Estudiaste Bellas Artes en Sevilla donde has realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales, ¿cómo surgieron estos primeros proyectos?

Fueron un cúmulo de situaciones. Durante la carrera coincidimos un grupo con mucho interés en mostrar y desarrollar nuestros trabajos y decidimos formar un colectivo llamado “Algo más alegre” que aún sigue funcionando. Abrimos convocatoria todos los años para hacer exposiciones colectivas de arte emergente fuera del ámbito galerístico y así dar la oportunidad de mostrar sus trabajos a artistas que están en la misma situación que nosotros.

Por otro lado, también tuve mi primera exposición individual El paisaje a través de la pantalla en Badajoz, en el espacio cultural Bahnhof, ahora cerrado tristemente. La publicidad que se hizo de la muestra individual y la participación en la colectiva de “Algo más alegre” que se realizó en un piso particular, hizo que mi trabajo fuese visualizado por los chicos del antiguo Diwap Gallery (ahora Di Gallery) en Sevilla, y en ese momento me propusieron trabajar con ellos. Desde entonces he realizado allí dos muestras individuales y algunas colectivas.

Miguel Ángel Cardenal. ½. Acrílico sobre lienzo plegado. 31x62cm. 2019
Miguel Ángel Cardenal. ½. Acrílico sobre lienzo plegado. 31x62cm. 2019.

Enfrentarte cuando estás empezando a una muestra individual es un reto de superación en el que se crece como profesional y en el que te das cuenta de tus errores y aciertos, pues es un examen en el que el público te evalúa

Tus piezas se mueven entre la abstracción geométrica con tintes figurativos y el lienzo-instalación, ¿te has sentido siempre atraído por estas formas o has experimentado algún cambio durante tu trayectoria?

Cuando veo la evolución en mi trabajo veo cambios, es obvio, y menos mal que los hay porque soy de aburrirme rápido si no experimento. Pero encuentro en todos ellos una conexión. A pesar de las diferencias, siempre surge alguna pieza que me recuerda mucho a piezas de tres o cuatro años atrás y que están relacionadas por una serie de parámetros que han sido una constante en mi trabajo. Tengo piezas de 2015 en las que ya doblaba o arrugaba el soporte y obras en las que aparece el uso de los diversos materiales, como en el estado actual de creación en el que me encuentro. Pero como bien has dicho creo que algunos de los parámetros que se repiten en mi obra son el interés en el color, la relación entre abstracción geométrica y figuración y la interdisciplinariedad. 

Miguel Ángel Cardenal. Como una aceituna negra. Acrílico sobre madera. 18x18x20cm. 2019.

También has trabajado la pieza exenta como la instalación en Doña Mencía, con 169 piedras de colores; el cubo sobre espejo y más recientemente, el Relicario, ¿cómo es tu interés sobre la creación escultórica? ¿cómo surgen este tipo de piezas?

El interés por la pieza tridimensional está ahí desde el principio. En todas mis exposiciones ha habido un gran número de obras escultóricas o instalativas. En mi primera individual realicé una instalación con 184 tacos de madera, muy similar a la obra que mencionas de Doña Mencía. Y en todas las demás exposiciones aparecen nuevamente muchas piezas tridimensionales. Si es cierto que actualmente tengo especial interés en lo pictórico, pero esta idea acaba siempre derivando en el objeto, un objeto que forma parte de las instalaciones pictóricas en las que trabajo, pero que indudablemente tienen carácter tridimensional y escultórico.

El objeto tridimensional tiene una verdad intrínseca diferente a la obra bidimensional, es aquí donde reside mi interés en trabajar lo escultórico o instalativo. Y en el caso de Relicario es una escultura realizada con cuatro lienzos plegados fechados en diferentes años; a esto me refiero con que mis obras parten de un interés pictórico pero derivan hacia otro tipo de registros no convencionales en la pintura.

Tu estilo ha sido comparado con el artista argentino Luis Tomasello que se encuadra en la pintura cinética, ¿te identificas con este tipo de arte? ¿tienes algún referente clave en tu trabajo?

Podría existir alguna relación, ¿por qué no? Pero no, el arte óptico y cinético no es de mi interés. Si es verdad que al trabajar con patrones que se repiten, módulos y estampados, se crean efectos visuales que son inevitables y que en mi obra aparecen en multitud de ocasiones. Pero no parto de la idea de crear piezas encaminadas al arte óptico. Mi interés reside más bien en el entendimiento de las imágenes y la verdad que reside en ellas. 

En cuanto a artistas, me interesa mucho el trabajo de artistas como Haris Epaminonda, Kasper Bosmans, Oscar Abraham Pabón, José Miguel Pereñiguez, Oliver Perkins, Mercedes Pimiento, Fernanda Gomes o Alegría y Piñero entre otros, principalmente por su versatilidad, el lenguaje que usan, su concepto o su puesta en escena.

Tus obras se caracterizan por la repetición de patrones, los colores vivos, los contrastes y la percepción visual para crear ilusiones ópticas o volúmenes. Como artista con un estilo propio muy definido, ¿piensas que debes continuar explorándolo o sientes interés por experimentar nuevos lenguajes?

Dentro de esos parámetros voy variando, porque mis intereses van cambiando y aparecen nuevos registros. Ahora por ejemplo estoy trabajando otra gama de colores con menos saturación, pero sigue apareciendo el trampantojo, la abstracción geométrica y el interés en lo instalativo. Hay constantes que no desaparecen y creo que es lo que le da unión a mi trabajo con el paso del tiempo. Pero en definitiva sí, a pesar de tener unos patrones fijos, hay también muchos variables que irán haciendo divagar mi obra y espero que así sea. 

Miguel Ángel Cardenal. S/t. Espray sobre papel Caballo 109 A. 100x70cm. 2016
Miguel Ángel Cardenal. S/t. Espray sobre papel Caballo 109 A. 100x70cm. 2016.

Busco sacar la pintura de sus formatos tradicionales e indagar en las posibilidades plásticas de la pieza y los cambios narrativos que en ella suceden.

¿Podrías describirnos el proceso de creación de tus piezas? ¿Cómo decides el tipo de patrón o la combinación de colores que encontramos en ellas?

Esta pregunta es interesante porque el proceso de creación sí que ha variado bastante. En series de años anteriores partía siempre de una reflexión inicial, un concepto, una teoría de la que sacar piezas físicas y sobre las que trabajar. También usaba mucho el bocetaje con ordenador y antes de empezar a trabajar ya concebía la obra final, sin exprimir el proceso de trabajo.

Este proceso ha cambiado hace unos dos años y se ha invertido para dar prioridad al proceso y las narraciones que en el surgen. Ahora parto de ideas sencillas, como una combinación de color que me ha inspirado por algún hecho cotidiano en particular o por la combinación de dos materiales que son restos de otras obras en el estudio, o cualquier otra cosa. A partir de una idea básica, comienzo a trabajar de una manera perspectivista sobre la idea inicial. Se crea así una narrativa entre las propias obras en las que prima la idea y no la propia obra. Es muy interesante porque ni yo mismo soy consciente del momento en que la obra puede convertirse en una pieza final durante el proceso.

Con esta manera de hacer, busco un tipo de obra que se contextualice a sí misma, donde el interés reside en el diálogo entre las propias piezas y el espectador, poniendo en valor la verdad de las imágenes o de la propia pintura. Se convierte el proceso de trabajo en un ciclo en el que sabes cuando empiezas y tienes que decidir cuándo acabar.

Tus investigaciones giran en torno a la relación del objeto con el espacio o el impacto de la era digital y virtual, ¿podrías contarnos un poco más sobre esto?

Siento un fuerte interés en la lectura de las imágenes, en cómo se presentan o cómo se entienden, y eso inevitablemente me lleva a la era digital que ha cambiado radicalmente el modo en que nos relacionamos con las mismas y el objeto que representan. La rapidez para buscar y elegir, para relacionarnos o para hacer, ha generado una serie de paradigmas en el entendimiento de la imagen en los que tengo un profundo interés. Es verdad que he tenido unas dos series en las que he trabajado mucho más a fondo este tema y la estética que surge de lo digital.

Ahora me encuentro en una etapa en la que me interesa más el entendimiento y relación con la imagen y su lectura, que la estética derivada de la era digital, el píxel o los colores ácidos. Pero de igual manera vuelven a aparecer algunas piezas que hacen alusión directa a esas piezas en las que tanto trabajé aunque ahora no sean una temática principal.

Miguel Ángel Cardenal. S/t. Espray sobre papel Caballo 109 A. 100x70cm. 2016.
Miguel Ángel Cardenal. S/t. Espray sobre papel Caballo 109 A. 100x70cm. 2016.

Debería haber más espacios que apuesten por la gente joven que está empezando porque si nunca se les da la oportunidad de mostrar sus capacidades, no se sabe hasta dónde pueden llegar.

Es interesante la inclusión de la luz blanca en algunas piezas de tu serie Hidden Landscape, ¿cómo surgió esta idea?

Esa serie la trabajé principalmente en blanco y negro para evitar excesos de información. Solo aparecía color en algunas fotografías y con poca saturación. La idea era hablar del paisaje sublime actual de una manera muy íntima y espiritual, por esta razón decidí trabajar el blanco y negro y la figura de la montaña como nexo entre lo terrenal y celestial. Utilicé la luz porque es un elemento que ya tiene un carácter espiritual por sí mismo, como en las magníficas instalaciones espaciales de Turrell, y me atrajo la idea de someter al espectador a ese impacto de la luz para tener una vivencia directa con la simbología que estaba buscando en cada pieza.

Miguel Ángel Cardenal. S/t. Led y madera. 40x200cm. 2015
Miguel Ángel Cardenal. S/t. Led y madera. 40x200cm. 2015.

En ocasiones juegas con el material y la ruptura de las formas tradicionales doblando o combinando texturas como el lienzo, la madera o la cerámica ¿puedes explicarnos más sobre estos procesos?

Soy defensor de lo que se realiza a mano, del error y la plasticidad que existe en ello, de recuperar la relación entre la persona y el objeto. Busco en ese tipo de acciones darle un hueco a la manualidad y recuperar este diálogo que nos permite vivenciar una relación directa con lo material, que creo que se está perdiendo en la actualidad. Me refiero a que están los que compran una camiseta por internet y los que necesitan tocar la camiseta; yo me incluyo indudablemente en el segundo grupo. En este proceso busco todo lo anteriormente mencionado, pero también sacar a la pintura de sus formatos tradicionales e indagar en las posibilidades plásticas de la pieza y los cambios narrativos que en ella suceden.

Miguel Ángel Cardenal. S/t. Cerámica sobre peana (espray sobre madera). 20x20x8cm. 2016.
Miguel Ángel Cardenal. S/t. Cerámica sobre peana (espray sobre madera). 20x20x8cm. 2016.

¿Qué ha supuesto para ti y para tu trayectoria participar en proyectos como Projectarte16, la feria de arte Hybrid de Madrid o trabajar con Diwap Gallery?

Enfrentarte cuando estas empezando a una muestra individual es siempre un reto que te pondrá entre la espada y la pared. Desde fuera veía más sencillo realizar una exposición, hasta que este tipo de convocatorias, galerías o ferias te dan la oportunidad de presentar tu trabajo. Es un reto de superación en el que se crece como profesional y en el que te das cuenta de tus errores y aciertos, pues es un examen en el que el público te evalúa.

Es necesario este tipo de oportunidades en la carrera de cualquier artista emergente. Es la forma más profesional de mostrar tu trabajo y de buscar nuevas oportunidades y alternativas. Debería haber más espacios que apuesten por la gente joven que está empezando porque si nunca se les da la oportunidad de mostrar sus capacidades, no se sabe hasta dónde pueden llegar. Por esta razón agradezco todas estas oportunidades que me permiten crecer como artista y ofrecer a los demás mis inquietudes. 

Miguel Ángel Cardenal. Imagen de la muestra “Hidden Landscape”, Morón de la Frontera.
Imagen de la muestra “Hidden Landscape”, Morón de la Frontera.

Hoy en día gracias a la facilidad de internet y las redes sociales, tu estudio está en un sitio y a la vez en todos.

Para quienes no te conozcan, naciste en Badajoz, pero tus trabajos se mueven principalmente en Sevilla. Bajo tu punto de vista ¿cómo es el panorama artístico entre Andalucía y Extremadura? ¿crees que hay suficientes oportunidades para la creación joven actualmente?

Bueno, podría ser peor. Hay gran número de convocatorias, en Andalucía hay varias bastante importantes que cualquier artista andaluz puede solicitar como la Beca Vázquez Díaz o la Iniciarte que tienen bastante reconocimiento. En Extremadura la Ayuda a Artistas Visuales o el Premio de Artes Plásticas de la Sala El Brocense entre otras. En mi opinión debería haber más. Es muy complicado el mundo del arte de por sí, imagina sin estos pequeños apoyos.

En Extremadura se podría plantear alternativas como “Periféricos” en Andalucía, para llevar el arte contemporáneo a los pequeños pueblos para educar hacia el gusto por la creación contemporánea. En Andalucía se ha producido ese movimiento en torno al arte contemporáneo, como en el Carpio, Genalguacil, Doña Mencía, Montalbán, Morón o Guillena, en los que se proponen jornadas y exposiciones apartadas de los grandes núcleos y que en Extremadura es totalmente necesario.

En cuanto a espacios que ofrezcan oportunidades a la creación joven… ¡está todo realmente difícil para los emergentes! 

Y para terminar, ¿cómo has vivido el traslado de Sevilla a Extremadura de nuevo y la apertura de tu estudio en Villalba de los Barros?

Es una nueva aventura. He perdido poder ir todas las semanas a alguna inauguración, relaciones artísticas que en Sevilla tenía y bueno, una serie de factores que intento buscar siempre que tengo algo de tiempo libre fuera de mi pueblo. He ganado un estudio en el que estar horas y horas muy cómodo, fuera de influencias y donde poder reflexionar sobre mi trabajo.

Cuando necesito material lo pido por internet o viajo fuera para comprarlo, cuando quiero ver exposiciones viajo fuera para hacerlo, cuando tengo que exponer hago envíos donde sea. No te ofrece muchas posibilidades, pero es lo que hay. Estoy contento porque tengo un sitio donde poder trabajar de una manera digna, cosa que en algunas ciudades sería prácticamente imposible hacerlo de forma individual. También soy de los que piensa que tú produces en un lugar y tu obra está destinada para otro, entonces ¿qué más dará dónde produzcas? Hoy en día gracias a la facilidad de internet y las redes sociales, tu estudio está en un sitio y a la vez en todos.

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